Chi sa cos'è il moralismo? Chi sa cos'è l'ordine, quella strana disposizione di cose che consola gli animi e acquieta gli spiriti? E chi sa cos'è l'arte, e l'equilibrio che può creare essa quando entra in simbiosi con la coscienza e l'inconscio del fruitore a prescindere dal suo contenuto o dalla sua forma? Insomma, qualcuno sa che l'opera d'arte può nascere "distante" dal suo tema, dal suo contenuto, ma anche dal suo stile? E che essa nasce anche dalla necessità di rispondere ai criteri del Bello (nel senso più alto del termine) del fruitore, a prescindere se quello che viene raccontato/messo in scena/dipinto/scolpito sia bello o brutto nel senso più immediato del termine? L'opera d'arte deve soddisfare le condizioni del fruitore, punto e basta. Anche se racconta qualcosa di davvero disgustoso. Da qui nasce l'estrema problematicità di quell'intreccio labirintico di realizzazione artistica, fruizione della stessa e assimilazione da parte del fruitore, che può fermarsi alla superficie dello stile e dei temi, oppure può capire cosa significhi per lui - per il fruitore - quella data opera. Allo stesso tempo, il realizzatore dell'opera, "vittima" forse incosciente di un'idea geniale da condividere (e l'idea non ha necessariamente un contenuto razionale/concreto, ma può anche essere visiva, uditiva, in generale formale), può decidere di approcciarsi in diversi modi alla materia su cui lavora, mettendo insieme una serie di scelte che andranno a compromettere o modificare il cosiddetto "stile", e dunque il cosiddetto "contenuto", ma anche la sintesi complessiva di queste due dimensioni. E quante straordinarie variabili possono esistere nell'incontro violento/catartico fra volontà dell'autore, volontà del fruitore e oggetto d'arte, che diventa mezzo di un dialogo praticamente sovrumano? Infinite. Davvero, l'arte può svenire, avere un mancamento, ma non morire, almeno finché l'inconscio di qualcuno continua a lavorare: e - si stenta a credere - potrebbe essere, questo, frutto di un qualche processo naturale che sta ben oltre tutti questi ghirigori filosofici/meta-artistici e che può squadrare dall'alto il complesso, all'interno deforme ma inscritto dentro una perfetta dimensione geometrica, simbiontica: l'Arte.
Ebbene, entrando più nello specifico, qualcuno sa cos'è l'artificio della regressione? E la forma inerente al soggetto? Sono tutte trovate stilistiche strettamente legate alla trattazione del contenuto di una qualunque opera: l'artificio della regressione vede l'autore scendere al livello di un particolare gruppo di persone magari meno acculturate di lui per cercare di capirle meglio (è pur sempre un artificio, ma non importa), o addirittura vede l'autore discendere in un intero contesto che non vuole semplicemente criticare, ma di cui vuole condividere il punto di vista, per quanto discutibile esso possa essere (l'Olympia di Edouard Manet dice nulla?); la forma inerente al soggetto è un po' la stessa cosa, ed è la maniera elegante per dire che non si vuole essere soltanto bacchettoni ma si vuole far notare che quella realtà dannatamente criticabile in realtà mostra la carcassa di se stessa immanentemente, direttamente, quasi naturalmente, e senza il bisogno di un commento. Ecco perché questi artifici, che pure sembrano distanziare così tanto l'opera d'arte dall'artista, erano un tempo propri di un tipo di arte definibile come realismo. Con l'implacabile e necessario evolversi dell'arte, però, il realismo non ha più avuto troppo successo, probabilmente perché quell'artificio si era ingigantito a tal punto da diventare "punto di vista", fino a contraddire lo stesso termine "realismo" rivelando il coinvolgimento dell'autore. 
Ma questo artificio funziona ancora, non è più al servizio della ricostruzione della realtà, ma della ricostruzione di una realtà, particolare, strana, magari allucinante, ma vista dall'interno, e non attraverso un filtro esteriore ed oggettivo, che non farebbe altro che vederne le deformità. Paradossalmente, dentro una realtà marcia, possiamo vedere delle bellezze. Siamo agli antipodi, rispetto al moralismo.
Ora, qualcuno sa cos'è l'umorismo? In senso pirandelliano, ma anche nel suo senso etimologico? E anche ironia, non ci starebbe male: qualcuno sa spiegarla? Quando si parla di queste due figure semantiche si parla di un contrario, della rappresentazione di qualcosa che dovrebbe essere opposto a quello che è; e l'umorismo, per usare termini pirandelliani, passa prima dal comico e dall'avvertimento del contrario (in cui ridiamo perché capiamo qualche situazione assurda) per poi lasciare lo spazio al sentimento del contrario, in cui si capisce, in parole povere, che di quella cosa assurda e obsoleta c'era ben poco da ridere. Perché quella cosa "reale" non è nata per far ridere, è nata spontaneamente come deformazione naturale magari di una persona involontariamente ridicola. Così si impone il ruolo della riflessione, che deve affiancare e inglobare il riso.
Ma dunque, perché tutte queste domande e queste - magari didascaliche - risposte? Perché oggi la divisione fra moralismo e umorismo c'è, ma in pochi la vedono; perché da essa dipende il destino di un'arte che non interpreta solo in una maniera, ma che passa attraverso un'infinita serie di coordinate che non si appellano solo alla soggettività, ma alle capacità e agli umori, in genere, dell'essere umano, non del singolo, ma proprio del genere umano nella sua totalità. E questo per dire cosa? Che l'umorismo, al Cinema, si è distaccato dalla sua dimensione prettamente ridanciana e si è messo ad osservare, con puro sentimento del contrario, i suoi oggetti d'analisi o di contemplazione. Cosicché esso è diventato non solo la riduzione (o estensione) del cosiddetto "artificio della regressione" non più compresso dai dettami naturalistici, ma anche una delle scelte più coraggiose e più fortemente incomprese di certo cinema, soprattutto moderno, che proprio nelle accuse dei suoi detrattori rivela tutto il suo coraggio e tutto il suo carattere eversivo. Trovare bello il brutto, appassionante il maleducato, osceno lo splendido: è uno stadio dell'arte in cui la maniera di comunicare con lo spettatore si è fatta più sottile, più barbara, meno immediata, e non ha più bisogno della moralità come filtro, ma di ben altro. E tutti i film considerati piatti, insignificanti, risaputi, rivelano la loro vera natura di "analisi disincantate", in cui narratore/regista e autore sono persone diverse e in cui si può rimanere straniati da un qualcosa di immorale che diventa, improvvisamente, bellissimo. 
L'autore così si immerge nella folla del contenuto, e la forma si associa al contenuto in maniera ineluttabile, così da mettere in pericolo addirittura la sanità morale dello spettatore, che rigetta, alla fine, il prodotto. Qual è il confine fra regressione e condivisione, poi, questo è un mistero che va decodificato dal fruitore e regolamentato dall'artista: ma si capisce quando la bellezza di un'immagine non va di pari passo con l'appagamento o con la bontà morale: è lo zenit dell'arte decadente.