La recensione su Il promontorio della paura

Il promontorio della paura del 1962 è un thriller teso e lucidissimo che ancora oggi spiazza per la sua modernità. J. Lee Thompson costruisce un incubo psicologico senza ricorrere a colpi di scena gratuiti o violenza esplicita. È tutto giocato sulla tensione che cresce piano, penetrando la vita tranquilla e ordinata dei Bowden fino a sconvolgerla. Il film è elegante e freddo, capace di mettere a disagio senza mai urlare, grazie anche all’inquietante presenza di Robert Mitchum e alle efficaci musiche di Bernard Herrmann.

L’avvocato Sam Bowden (Gregory Peck), la moglie Peggy (Polly Bergen) e la figlia adolescente Nancy (Lori Martin) conducono una vita serena e ordinata. Tuttavia, l’equilibrio viene minacciato dall’ex galeotto Max Cady (Robert Mitchum), appena uscito di prigione. Cady è deciso a vendicarsi di Bowden, ritenuto responsabile della sua incarcerazione. La tensione cresce gradualmente, tra minacce velate, pedinamenti e aggressioni psicologiche, fino a culminare in un confronto finale sulla casa galleggiante che sconvolgerà la loro vita ordinata.

Thompson usa ogni inquadratura come uno strumento di suspense: luce, spazi e movimenti di macchina accentuano costantemente l’ansia che invade la famiglia Bowden. Il regista scelse di girare il film in bianco e nero, convinto che il colore avrebbe attenuato l’atmosfera cupa e inquietante. Influenzato da Hitchcock, inserì angoli di illuminazione insoliti, primi piani calibrati e dettagli che suggeriscono più di quanto mostrano, evitando rappresentazioni esplicite della violenza.

Il montaggio serrato e le angolazioni insolite rendono ogni scena un tassello di tensione perfetto. La fotografia trasforma ambienti ordinari in spazi minacciosi, mentre la colonna sonora di Bernard Herrmann amplifica costantemente la sensazione di pericolo. Alla scenografia e al montaggio contribuirono collaboratori legati al cinema di Hitchcock, Robert F. Boyle e George Tomasini, consolidando lo stile preciso e teso di Thompson senza cadere in imitazioni.

James R. Webb adatta il romanzo The Executioners (1957) di John D. MacDonald costruendo la sceneggiatura come un continuo gioco di tensione: la paura cresce lentamente, insinuata negli sguardi, nei silenzi e nei piccoli dettagli dei personaggi. Nel libro, Max Cady è un soldato condannato sulla base della testimonianza di Sam Bowden per gravi crimini commessi nel 1943 durante uno scalo a Melbourne. Sam, allora tenente in servizio nella Seconda guerra mondiale, lo coglie in flagranza di reato e contribuisce alla sua condanna. Tornato negli Stati Uniti nel 1945 con il grado di capitano, Sam si trova tredici anni dopo di fronte allo stesso uomo, che cerca vendetta e lo chiama spregiativamente “tenente”.

Per rispettare la censura americana, certe scene furono rese implicite: termini come “stupro” e riferimenti diretti alla violenza sui minori furono eliminati, attenuando la pericolosità di Cady per non creare problemi all’immagine dell’esercito e alle linee guida del Codice Hays. Anche i censori britannici furono duri: temevano che il film lasciasse intendere una “continua minaccia di violenza su una bambina” e imposero numerosi tagli, per un totale di circa sei minuti eliminati. Thompson dichiarò di aver dovuto effettuare oltre cento ritocchi di dettaglio. Paradossalmente, questi vincoli contribuirono a rendere il film ancora più teso: ogni scena suggerisce più di quanto mostri, e la suspense cresce proprio perché la minaccia resta in gran parte implicita.

Robert Mitchum è Max Cady, incarnazione del Male: carismatico, insinuante e inquietante. Ogni gesto e ogni sguardo trasmettono minaccia. Non è solo un ex galeotto in cerca di vendetta, ma la manifestazione di una forza distruttiva che mette alla prova i confini morali del protagonista. Gregory Peck interpreta Sam Bowden, avvocato rispettabile e padre di famiglia, costretto a confrontarsi con il suo persecutore per proteggere i propri cari. La sua performance evidenzia determinazione e fragilità, mostrando quanto sia complesso mantenere l’integrità di fronte a una minaccia così intensa. Tra i due si sviluppa un confronto etico più che fisico, dove le azioni di ciascuno riflettono la sottile linea che separa giustizia e violenza.

Curiosamente, Peck — che fu anche produttore — era stato inizialmente scelto per interpretare Cady, il carnefice. Decise però di ribaltare i ruoli, assumendo il ruolo dell’eroe. Nonostante fosse fisicamente più imponente di Mitchum, Peck appare sulla difensiva, mentre Mitchum domina la scena con calma glaciale e magnetismo animale, rendendo credibile ogni gesto. L’attore, tra l’altro, aveva rifiutato il ruolo la prima volta, accettandolo solo dopo che Peck e il regista J. Lee Thompson si presentarono con una cassa di bourbon e un gesto di amicizia. Il risultato è un equilibrio perfetto tra eroe e carnefice, due figure opposte ma complementari sullo stesso piano di tensione.

Polly Bergen interpreta Peggy Bowden, la moglie di Sam, che vive nel timore costante per la sicurezza della famiglia. La sua interpretazione mostra una donna travolta dalla paura, che cerca di mantenere la normalità in casa, con la sua fragilità evidente in ogni scena. Lori Martin è Nancy Bowden, la figlia adolescente, simbolo dell’innocenza minacciata. La sua presenza amplifica la tensione emotiva del film, evidenziando quanto la famiglia sia sotto pressione e rappresentando la vulnerabilità della gioventù davanti a Cady.

Tra i ruoli secondari si distingue Barrie Chase, che interpreta la prostituta aggredita da Cady. Negli anni ’50, Chase era una nota figura televisiva e aveva anche condiviso il palco con Fred Astaire, portando una presenza riconoscibile sullo schermo nonostante il ruolo limitato.

Altri interpreti, come Martin Balsam nel ruolo del capo della polizia Mark Dutton, supportano senza distrarre, mentre la scelta di concentrarsi su pochi personaggi principali permette al film di approfondire il conflitto centrale. Grazie alle performance di Mitchum e Peck, la dinamica tra eroe e carnefice diventa palpabile, con ogni scena che amplifica la tensione e rende memorabile il confronto tra i due.

Sul set, la tensione non era solo sullo schermo: alcune delle scene più memorabili nacquero da improvvisazioni e incidenti reali degli attori, contribuendo a rendere il film così credibile e disturbante. La celebre sequenza sulla casa galleggiante, in cui Max Cady attacca Peggy Bowden, è quasi interamente improvvisata. Durante le riprese, Thompson ordinò sul momento: “Portatemi un piatto di uova!”, e Mitchum reagì immediatamente, strofinando le uova su Bergen. Le reazioni dell’attrice furono autentiche, e a causa dell’intensità della scena Bergen riportò contusioni alla schiena.

In un altro momento delle riprese, Mitchum si tagliò una mano, aumentando ulteriormente la tensione sul set, mentre Bergen ricordò che sia la sua schiena sia la mano di Mitchum erano coperte di sangue. Nonostante tutto, continuarono a girare fino a quando la troupe non intervenne fisicamente. Nel combattimento finale tra Mitchum e Gregory Peck, quest’ultimo lo colpì accidentalmente con un pugno vero: Mitchum continuò a recitare, ma ammise che l’impatto gli fece male per giorni, tanto da sentirsi letteralmente “crollare” una volta tornato nel camerino.

A conferma del suo impatto duraturo, nel 2001 Il promontorio della paura è stato inserito nella lista AFI’s 100 Years…100 Thrills al 61° posto, e nel 2003 Max Cady è stato riconosciuto come uno dei grandi cattivi del cinema, piazzandosi al 28° posto tra i villains nella classifica AFI’s 100 Years…100 Heroes & Villains. Nel 1991, Martin Scorsese girò un remake (Cape Fear - Il promontorio della paura, 1991) con Robert De Niro e Nick Nolte, ma questa è un’altra storia.

Il promontorio della paura è uno dei thriller più tesi e, a distanza di anni, tra i più sottovalutati. Senza trucchi o effetti spettacolari, mantiene un senso di minaccia costante, costruendo tensione attraverso atmosfera, regia e interpretazioni impeccabili. La suspense nasce dai silenzi, dai primi piani e dagli sguardi dei personaggi, piuttosto che da violenza esplicita o colpi di scena eccessivi. È cinema di precisione, raro esempio di tensione pura in un’epoca in cui certi temi erano ancora tabù, e resta oggi un film da riscoprire e rivalutare per la sua modernità e capacità di inquietare senza mai urlare.